Un viejo estanque

        Se zambulle una rana

        Ruido de agua

       Uno de los haikus más famosos de Basho nos muestra este encuentro entre lo inmóvil y eterno - el viejo estanque de agua- y lo vivo y fugaz – el zambullir de una rana-, y lo que se genera de ello - el ruido de agua-. Me gustaría acercarme a la obra de Elisa desde esta mirada.

            Recuperando el típico formato clásico del retrato familiar, la autora pinta a sus amigues que esperan sentades para pasar a la inmortalidad (¿no es acaso el retratola tecnología que crearon nuestros ancestros para conseguirla?). Tenemos entonces esa reminiscencia tanto de lo antiguo como de lo eterno, representada también en los sillones y muebles, testigos mudos e inertes del fugaz devenir social - y no creo casual que dos de esos objetos tengan un díptico propio-. 

            Pero las escenas pintadas con pinceladas suaves y colores pastel evitan la rigidez y formalidad de las antaño retratadas. Nos muestran vínculos no heteronormativos en momentos íntimos, espontáneos: la calidez de lo que está vivo.  

            Y es en esta interacción que se produce el “ruido de agua”: un halo de algo parecido a la melancolía, una suerte de tristeza atemporal y profunda, algo que no podemos describir pero que sabemos que está ahí. Y creo que acá radica la belleza de la obra de Elisa: su sensibilidad y sentido de la observación es tan potente que nos permite vislumbrar  - me atrevo a decir- esa cualidad íntrinseca, misteriosa y evasiva de la existencia.

                                                                                            Manuel Sanchez Viamonte

“Las visiones de Mont; el universo tallado cobra vida” de Koyi

Texto de Juan Rux

Se esconde el sol y la humedad cae sobre el pasto fresco que brota de la tierra. Después de los festejos, será el tiempo de emprender la travesía. Rocco y el Mago Lyn escuchan con atención lo que Mont tiene para decirles, son sus visiones las que hablan: visibiliza un espacio blanco como la nieve, un destino al que llegar. Quizá, un estado al que se accede por fuera de la mente y despegado del cuerpo, separado de toda materialidad. Materialidad que, en las propuestas artísticas y musicales que propone KOYI, siempre está ligado a la potencia de las energías naturales, a los materiales primogénitos del mundo: el fuego, la madera, el agua de las lluvias, el vuelo de las aves, la sabiduría animal, las luces y las sombras. Pero también es la incertidumbre y la fuerza de los misterios de este mundo y de otros universos posibles e imposibles. Unas manos y un pico de metal en una pintura enigmática orientan el objetivo. La serpiente Sily los reúne. Mont ordena salir cuanto antes hacía la aventura y entonces una gran tropa de personajes se agrupa alrededor del calor de un fogón iniciático, augurando las peripecias y alborotos venideros. Llegó la hora de partir. ¿Es un retorno? ¿es una partida? ¿es un nuevo inicio? ¿una búsqueda de energías hacia lo vital o hacia lo espiritual? ¿un encuentro con el destino? Me muevo en la oscuridad derritiéndome, deslizándome, total mi cuerpo ya me abandonó, y mi mente también, canta la canción. El universo tallado cobra vida y nos invita, tan necesario en estos tiempos, a un viaje introspectivo por los reinos mágicos de los relatos maravillosos y de la épica mística, porque las obras de Koyi son TODO ESO y mucho más.

"Manual de usos", una exposición colectiva de Zaira Allaltuni, Santiago Colombo Migliorero, Eva Costello, Magdalena Milomes y Rocío Sosa, con textos de Lucía Delfino y Guillermina Valent, y la coordinación de Sala Microespacio.

Figuras se trasladan como espectros nómades, se desplazan levitando, parecen flotar. Objetos enredados como un nido entre la bruma de un bosque imaginario, aparecen y desaparecen de golpe. Estos objetos de descarte, preciosos, decorativos y ancestrales están en realidad quietos a primera vista, sin embargo nos observan y se quieren mover. Como algunos animales quizás esperen la noche para hacerlo y comiencen muy de a poco a bailar en un desfile catártico y ritual hasta el amanecer.

“Tuyo, para que lo tengas”, de Valentina Rivas Robles con curaduría de Cariño galería, indaga sobre el problema de la copia y el arte a partir de un retrato de Antonio Berni que se guarda en la colección del Museo.

marzo/abril 2021 vidriera MPBA 

 Posiblemente un texto curatorial que le sirva de compañía a “Los años más duros”, de Nicolás Monti, propondría ciertas líneas de lectura para la obra vinculadas a la epistemología alimentaria y a la represión colonial. Por ejemplo, podría hablar del proceso de degradación que sufrieron los saberes culinarios de los primeros pobladores americanos frente al desafío que esa tradición supuso para la cosmovisión cristiana. El enfrentamiento entre las prácticas de cocina españolas y las amerindias desembocó en una supresión violenta y casi total de sistemas de conocimiento vinculados, entre otras cosas, a lo comestible, al mismo tiempo que el ímpetu médico-religioso europeo se imponía con fuerza sobre los tractos digestivos y las cacas originarias. El calendario católico de ayunos y fiestas santas determinaba qué se comía, quién lo comía y en qué cantidades; y aunque para los colonizadores el hecho de que en nuestras tierras se practicara la antropofagia implicaba una transgresión aborrecible y satánica, ellos mismos se comían el cuerpo de Cristo, transmutado en un disco plano de harina. En este sentido, ese texto no dejaría de señalar que la comida que puede verse en este mesón es, casi toda, un legado contradictorio de culturas inmigrantes. Culturas colonialistas, claro, pero también fugitivas y colonizadas; culturas asesinas, claro, pero también asesinadas, anarquistas y refugiadas.

Fort-Da es un juego de niños, y el arte tiene la capacidad de jugarlo. “ El juego inventaba un lugar

para la ausencia, precisamente para permitir que la ausencia tuviera lugar.” Esto significa

simbolizar. El juego consiste en hacer desaparecer un objeto atado a un cordel, para luego tirar del

mismo y que este aparezca. Hacer desaparecer y re-aparecer es lo que crea sentido, el sentido de la

ausencia. En la obra los objetos se han hecho presentes, y esta presencia es posible porque alguna

vez estuvieron perdidos. La obra nos muestra también que el objeto hallado, siempre es sustituto del

perdido, nunca es igual a este, por lo que la repetición del mecanismo no tiene fin. La presencia

designa la dialéctica de la doble distancia e inaugura un lugar para decir “está” y un lugar para decir

“no está”. Dice Lacan, “ la pérdida siempre vuelve , nos vuelve”. Fort-Da ofrece en su repetición,

un vínculo entre el abandono primero devenido juego, y deviniendo obra ahora.

texto: Roberta Valente

RESONANCIAS GRÁFICAS - Malena Di Bastiano

“Una cosa que me pasaba frecuentemente era que yo no podía contar lo que me había pasado en esos años. Pero no tanto por mi propio temor, sino porque me parecía que atemorizaba al que escuchaba y eso me resultaba muy complicado”

Andrea Bello.

Transformar el espacio del museo en una caja de resonancia gráfica.

Palabras, citas, fragmentos de testimonios de mujeres detenidas y secuestradas en el centro clandestino de la ESMA.

Las palabras que salen de los cuerpos y son a su vez cuerpos. “Tomar la palabra es un hecho corporal. No hay asunción de la palabra sin un proceso de corporización”. Daniel Calmels

Superficies que se inscriben y reescriben en movimiento.

“El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que los circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les “da cuerpo”.” Es en este sentido que puede convertirse en una estrategia y un espacio de resistencia.

“Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unas acciones, la presencia de unos cuerpos, los restos de un período reciente de la historia. Citar implica traer aquí.”

“La cita como convocatoria, como emplazamiento y lugar de encuentro entre uno y varios cuerpos. Citarse o agruparse, siguiendo a Arendt, es aquello que precede a cualquier constitución de la esfera pública, la condición necesaria para que tenga lugar lo político.”

Maite Garbayo Maeztu

Ser tomadxs por estas voces; activar a partir de allí una resonancia colectiva y expandir de forma artística estos textos a través del uso de la impresión y sobreimpresión gráfica con tipos móviles.

De esta forma, propiciar un espacio donde estos cruces interpersonales, temporales, espaciales, de lenguajes y formas, estas capas de sentido que se agregan, mezclan, superponen y suman, vayan conformando un palimpsesto colectivo que active y potencie, contenga, integre y amplifique, revise, remarque y reinscriba y, sobre todo, saque de las sombras esas palabras que tanto costó decir, propagándolas en ecos de sentires y sentidos más allá de los espacios que las contuvieron (ESMA, cuerpos de las víctimas, sala de exposición) al sacarlas a la calle en forma de pegatina colectiva. 

Marzo 2020. Sala Microespacio y Vidriera. 

Curaduría: Inés Elicabe y Renée Zgainer